Maşină de spălat

Ce înseamnă expresia clasică a genului? Istoria muzicii clasice. Muzica clasică a secolului XX

Muzică clasică... Fiecare înțelege această frază în felul său. Pentru unii, muzica clasică sunt cantatele și oratoriile lui Bach, în timp ce pentru alții sunt melodiile aerisite și ușoare ale lui Mozart. Unii oameni își amintesc imediat de polcile de foc ale lui Chopin, unele dintre valsurile vesele ale lui Strauss și unele dintre simfoniile frenetice ale lui Șostakovici. Deci, ce este muzica clasică? Cine are dreptate?

Cuvântul „clasic” provine din cuvântul latin „classicus”, care înseamnă exemplar. Dacă apelați la enciclopedia muzicală, există mai multe definiții ale muzicii clasice:

o piesă muzicală care a fost scrisă într-o anumită perioadă istorică;
opere muzicale exemplare scrise de compozitori remarcabili din trecut și care au rezistat testului timpului;
o operă muzicală care a fost scrisă după anumite reguli și canoane cu respectarea tuturor proporțiilor și destinată interpretării unui ansamblu, orchestră simfonică sau soliști.

Muzica clasică poate fi împărțită în genuri: sonată, simfonie, nocturne, studii, fugi, fantezii, balete, opere și muzică sacră. Instrumentele folosite pentru interpretarea muzicii clasice includ clape, coarde, alama și percuție, și anume pian, vioară, violoncel, oboi, flaut, timpani, trompetă, tobe, dulcimer și orgă. Și apropo, orga este întemeietorul muzicii clasice, pentru că una dintre ele își are originile în secolul al XVI-lea, adică din Renaștere, iar perioada sa de glorie este considerată a fi epoca barocului, adică , secolul al XVII-lea. Deoarece în acel moment au apărut genuri muzicale precum opera și sonata, care sunt și astăzi relevante. Johann Sebastian Bach, cel mai mare geniu din istoria muzicii, a lucrat în epoca barocului. La urma urmei, această persoană foarte talentată a fost cea care a deschis noi posibilități nelimitate pentru a crea lucrări muzicale. Muzica acelei epoci era caracterizată prin complexitate, forme elaborate, fast și plenitudine emoțională. În acea perioadă s-au născut oratoriile lui Händel, fugile lui Bach și concertele pentru vioară „Anotimpurile” lui Vivaldi.

Epocile s-au succedat, vremurile s-au schimbat și oamenii s-au schimbat odată cu ele - muzica a devenit diferită. Pretentiozitatea si fastul au fost inlocuite de muzica usoara, frumoasa, eleganta si aerisita. Și probabil că toată lumea a ghicit deja că acestea sunt lucrări ale lui Mozart, un muzician genial și inimitabil. Sinonime pentru melodiile sale sunt armonie și frumusețe. El, ca o cometă rapidă, a zburat peste epoca clasicismului, lăsând-o pentru totdeauna cu o lumină strălucitoare.

În concluzie, putem spune că muzica clasică este eternă. Aceasta este o muzică armonioasă și frumoasă, a cărei caracteristică principală este combinația dintre profunzimea experiențelor transmise, entuziasmul cu o varietate de tehnici muzicale.

„Muzica clasică” și „clasici muzicali” sunt două formulări absolut echivalente, lipsite de cadrul terminologic, reflectând un strat vast de cultură muzicală, semnificația sa istorică și perspectivele de dezvoltare ulterioară. Adesea, termenul „muzică clasică” este înlocuit cu expresia „muzică academică”.

Istoria apariției

Indiferent de terminologie, muzica clasică are o origine istorică foarte clară asociată cu perioada iluminismului târzie a erei clasicismului. Poezia și drama din acea vreme se bazau pe lucrările autorilor antici, iar această tehnică a afectat și cultura muzicală. Trinitatea - timp, acțiune și loc, a fost observată în genul de operă și alte stiluri muzicale asociate cu sursele literare. Oratoriile și cantatele purtau pecetea clasicismului, un fel de standard al secolelor XVII-XIX. Spectacolele de operă au fost dominate de librete bazate pe perioada antică.

Devenirea

Aproape toate genurile de muzică clasică sunt într-un fel sau altul legate de epoca clasicismului. Compozitorul Gluck a fost unul dintre cei mai importanți adepți în muzică, a reușit să respecte toate canoanele acelei vremi în lucrările sale. Epoca trecutului se distingea printr-o logică clară echilibrată, un plan clar, armonie și, cel mai important, completitudinea unei opere muzicale clasice. În același timp, s-a făcut o distincție între genuri, când polifonia a fost respinsă blând, dar persistent, iar o definiție aproape verificată matematic a genului i-a luat locul. De-a lungul timpului, genurile de muzică clasică au primit un grad ridicat de caracter academic.

În operă, părțile solo au început să prevaleze în mod semnificativ asupra vocilor care le însoțesc, în timp ce anterior toți participanții la spectacol aveau drepturi egale. Principiul dominației a îmbogățit sunetul, libretul a căpătat o cu totul altă formă, iar spectacolul a devenit teatral și operistic. Au fost, de asemenea, transformate ansamblurile instrumentale, instrumentele solo avansând și instrumentele însoțitoare pe fundal.

direcții și stiluri

În perioada clasicismului târziu, au fost create noi „mostre” muzicale. Genurile muzicii clasice s-au răspândit la sfârșitul secolului al XVIII-lea. Grupurile orchestrale, de ansamblu, solo-vocale și mai ales simfonice au urmat noi canoane în muzică, în timp ce improvizația a fost redusă la minimum.

Ce genuri de muzică clasică se remarcă? Lista este următoarea:

variatii;
simfonii;
operă;
concerte instrumentale;
cantate;
oratorie;
preludii și fugi;
sonate;
apartamente;
toccate;
fantezii;
muzica pentru orga;
nocturne;
simfonii vocale;
muzică de alamă;
uverturi;
masele muzicale;
psalmii;
elegii;
schițe;
corul ca formă muzicală.

Dezvoltare

Până la mijlocul secolului al XVIII-lea, orchestrele au fost adunate la întâmplare, iar compoziția lor a determinat opera compozitorului. Autorul muzicii a trebuit să-și construiască opera pentru instrumente specifice, cel mai adesea acestea erau coarde și un număr mic de instrumente de suflat. Ulterior, orchestrele au apărut în mod permanent, destul de unificate, contribuind la dezvoltarea genului de muzică simfonică și instrumentală. Aceste orchestre aveau deja un nume, se perfecționau constant și făceau turnee în cele mai apropiate teritorii.

La începutul secolului al XIX-lea, pe lista genurilor muzicale au fost adăugate câteva direcții noi. Acestea erau concerte pentru clarinet și orchestră, orgă și orchestră și alte combinații. A apărut și așa-numita simfonietta, una scurtă cu participarea întregii orchestre. Apoi recviem-ul a devenit la modă.

Compozitorii epocii clasice, Johann Sebastian Bach și fiii săi, Christoph Gluck, reprezentanți ai operei italiene și de la Mannheim au format școala clasică vieneză, care a inclus și Haydn, Mozart și Beethoven. În lucrările acestor maeștri, au apărut formele clasice de simfonie, sonată și piese instrumentale. Mai târziu, au apărut ansambluri de cameră, triouri cu pian, diverse cvartete de coarde și cvintete.

Muzica de la sfârșitul erei clasicismului a trecut fără probleme în perioada următoare, vremea romantismului. Mulți compozitori au început să compună într-o manieră mai liberă, munca lor a depășit continuu canoanele academice din trecut. Treptat, aspirațiile inovatoare ale maeștrilor au fost recunoscute drept „exemplare”.

Testul timpului

Genurile muzicii clasice au continuat să se dezvolte și, în final, au apărut criterii de evaluare care să le determine, prin care a fost determinat gradul de artă al unei opere și valoarea acesteia în viitor. Muzica care a trecut testul timpului a fost întotdeauna inclusă în repertoriul de concerte al aproape tuturor orchestrelor. Acesta a fost cazul lucrărilor lui Dmitri Șostakovici.

În secolul al XIX-lea s-a încercat clasificarea anumitor categorii de așa-numită muzică ușoară ca genuri de muzică clasică. Vorbeam despre o operetă, pe care s-au grăbit să o numească „semiclasică”. Cu toate acestea, acest gen a devenit curând complet independent și nu a fost necesară asimilarea artificială.

Conceptul de „muzică clasică” este un concept foarte vag din punct de vedere terminologic. În înțelegerea general acceptată, muzica clasică este muzica care a rezistat testului timpului și rămâne populară mulți ani după crearea sa.

În termeni istorici, conceptul de „muzică clasică” include tradiția muzicală a clasicismului, sau mai precis a secolelor al XVIII-lea și al XIX-lea. Un alt periodic, asupra căruia ne vom concentra, limitează perioada muzicii clasice când și-a luat naștere și timpul prezent, când încă mai există.

În istoria muzicii clasice, se disting perioade separate de dezvoltare.

Renaştere

Cea mai lungă perioadă din istoria muzicii clasice, cuprinzând 1400-1600. Eu și dezvoltarea rapidă a artei, care a lăsat în tradiția muzicală mondială operele unor compozitori precum Thomas Luis de Victoria, Giovanni da Palestina, Thomas Tallis și inclusiv opera muzicală a lui Shakespeare.

Stil baroc

Epoca baroc (1600-1750), care urmează Renașterii, se caracterizează prin forme muzicale mai complexe, apariția de noi genuri, o varietate de genuri și polifonie. În epoca barocului au înflorit opera și oțelul, care sunt ascultate și moștenite până astăzi: Johann Sebastian Bach, Antonio Vivaldi, George Frideric Handel.

Clasicism

Epoca clasicismului în dezvoltarea muzicii clasice se limitează la perioada anilor 1750-1830, cu care sunt asociate invariabil numele Școlii din Viena - Mozart, Haydn, Beethoven.

Franz Joseph Haydn

În epoca clasicismului, se distinge o perioadă de tranziție, între moartea lui Johann Sebastian Bach în 1750 și opera matură a lui Mozart în anii 1770. Această perioadă are propriul nume francez - „Galante”.

În general, muzica clasicismului se caracterizează prin armonie și echilibru, canonicitatea formelor, apariția formei sonatei și dezvoltarea simfoniilor, extinderea orchestrei și o mai mare emotivitate a lucrărilor.

Romantism

În timpul erei romantismului, formele, genurile și ideile muzicii clasice s-au dezvoltat activ. Lucrările acestei perioade se caracterizează prin expresivitate emoțională și dramatism. În acest moment au început să se dezvolte multe genuri de cântece, în special balade. Muzica a fost deosebit de populară, de exemplu, lucrările lui Chopin și Liszt.

Franz Liszt

Dintre compozitorii muzicii romantice se remarcă, în primul rând, Beethoven, care este considerat mai degrabă un predecesor al romantismului alături de Cherubini. Mai târziu, tradițiile muzicale pe care le-au stabilit au fost moștenite de Schubert, Wagner, Ceaikovski...

Muzica clasică a secolului XX

În secolul al XX-lea, muzica clasică se caracterizează printr-o înclinație pentru experimentare, care nu este limitată de nimic altceva decât de voința și imaginația compozitorului însuși. Au apărut concepte precum atonalismul (sau atonalitatea, adică respingerea logicii tonalității) și aleatoria (o secvență aleatorie de elemente dintr-o compoziție).

Printre compozitorii secolului al XX-lea, lucrările lui Rachmaninoff, Britten, Glass, Stravinsky și Bernstein sunt clasificate ca muzică clasică.

Muzica clasică contemporană este adesea confundată cu muzica post-clasică. Într-adevăr, granițele dintre stilurile muzicale ale secolului al XX-lea sunt atât de neclare încât atribuirea unei anumite lucrări unui anumit stil este uneori foarte dificilă.

„Clasic și modern”

Clasicii (din latinescul classicus - perfect, exemplar, de primă clasă) sunt acele opere de artă care, indiferent de momentul în care au fost scrise, sunt cele mai bune și continuă să entuziasmeze multe generații de oameni. Au primit recunoaștere generală și au o valoare durabilă pentru cultura națională și mondială. Aceste lucrări îndeplinesc cele mai înalte cerințe artistice, combină profunzimea conținutului cu perfecțiunea formei.

Arta clasică se numește artă antică (arta Greciei Antice și a Romei Antice), precum și arta Renașterii și a clasicismului.

În plus, conceptul de muzică clasică este aplicat operei celor mai mari compozitori ai lumii. Lucrările create în trecutul îndepărtat și lucrările moderne pot fi numite clasice.

Clasicii sunt adesea în contrast cu noile tendințe în artă, ale căror realizări nu au trecut încă testul timpului. Contemporanii pot face adesea greșeli în evaluarea operelor muzicale. Există multe exemple despre cum operele care nu au primit recunoaștere în timpul vieții autorilor au devenit ulterior clasice și au intrat în fondul de aur al artei muzicale mondiale. Ceea ce ieri era perceput ca o provocare îndrăzneață la adresa artei clasice, astăzi poate fi considerat un clasic. Un exemplu în acest sens este creativitatea lui S. Prokofiev, R. Shchedrin, A. Schnittke și alții.

Există și conceptul de clasic al genului. În acest caz, lucrările de muzică ușoară se numesc clasice: muzică jazz, pop, rock. Cu toate acestea

viața multor lucrări care au câștigat o mare popularitate la un moment dat se poate dovedi a fi de scurtă durată dacă nu au un mare merit artistic.

Pentru a învăța să înțelegem toată diversitatea muzicii, trebuie să te străduiești să înțelegi conținutul operei, structura sa figurativă, aparținând unui anumit stil, direcție artistică.

Cuvântul stil (din grecescul stylos, literalmente un băț de scris) înseamnă scris de mână, inclusiv al autorului, un set de trăsături caracteristice, tehnici, metode și trăsături ale creativității. În artă, există o distincție între stilul epocii (istoric), stilul național și stilul individual - stilul compozitorului și chiar al unui anumit interpret.

În zilele noastre, interesul muzicienilor pentru muzica clasică din trecut este în creștere. Apar noile sale versiuni, interpretări și adaptări, care îi atrag pe ascultătorii moderni. Datorită cunoștințelor noastre cu muzica de diferite stiluri, avem ocazia să intrăm în dialog atât cu semenii noștri, cât și cu oameni din trecutul îndepărtat - ca și cum am vizita vremuri diferite.

În teatrul muzical.

Dramaturgie, dramatică - aceste cuvinte sunt derivate din cuvântul dramă. Dar sunt folosite și pentru a caracteriza muzica, care transmite în general experiențele unei persoane: suferință, confuzie, anxietate, protest, indignare etc. Aceste sentimente se manifestă cel mai adesea în oameni în ciocniri, dispute și conflicte. Pe asta se bazează dramaturgia și spectacolul muzical.

Dramaturgia muzicală – sistemul va exprima. mijloace și tehnici de întruchipare a acțiunii dramatice în lucrări muzicale și scenice. gen (operă, balet, operetă). Dramaturgia muzicală se bazează pe legile generale ale dramei ca una dintre formele de artă: prezența unui conflict clar exprimat, relevat în lupta dintre forțele de acțiune și reacție, o anumită succesiune de etape în dezvăluirea dramelor. concept (expunere, intriga, dezvoltare, punct culminant, deznodământ) etc.

Opera (din opera italiană - opera, compoziție) a apărut în Italia la începutul secolelor XVI-XVII. Opera, prin definiție, este „un spectacol de scenă în care acțiunea care se desfășoară pe scenă este exprimată prin muzică, adică prin cântarea personajelor (fiecare individual, sau împreună, sau în cor) și forțele orchestrei în o aplicare infinit variată a acestor forțe, începând cu voci simple de sprijin și terminând cu cele mai complexe combinații simfonice.” Muzica este principalul mijloc de generalizare, purtătorul acțiunii end-to-end, nu doar comentează departamentul; situații, dar și leagă toate elementele dramei împreună, dezvăluie izvoarele ascunse ale comportamentului acțiunii. persoane, complexul lor intern relații, adesea exprimă în mod direct ideea principală a lucrării.

Operele pot fi epice, lirice, dramatice sau comice.

Operele au o viață lungă, bazate pe un libret interesant și pe muzică expresivă care dezvăluie cel mai pe deplin caracterele personajelor.

Conform legilor teatrului, opera este împărțită în acțiuni (acte), acțiunile în imagini și imaginile în scene.

De obicei, o operă se deschide cu o introducere, sau uvertură, care exprimă ideea spectacolului. Principalele caracteristici ale personajelor principale ale operei sunt aria, cântecul, cavatina, duetul, trioul etc., în care trăirile și trăirile personajelor sunt întruchipate în melodii memorabile. „Jumătate cântând, jumătate vorbire” se numește recitativ.

Una dintre particularitățile operei este că personajele ei își cântă uneori propriile părți în același timp. Așa compozitorul dezvăluie gândurile și sentimentele personajelor sale într-un ansamblu - un sunet comun armonios. În scenele de mulțime există un cor, care adesea acționează ca unul dintre principalele

personaje ale operei sau comentarii despre ceea ce se întâmplă pe scenă. În funcție de intriga, de momentul creării operei și de capacitățile teatrului, opera poate conține dansuri și chiar scene de balet.

Rolul orchestrei în operă este extrem de important. El însoțește cântăreții și corul, acționează ca un partener egal al personajelor din operă și uneori ca un personaj independent. Episoadele orchestrale (gnomeri) ale operei îi ajută pe ascultători să înțeleagă principalele linii de desfășurare a acțiunii.

Opera „Ivan Susanin”.

Opera () „Ivan Susanin” („Viața pentru țar”) evocă în multe generații de ascultători un sentiment de implicare în istoria poporului lor. Dezvăluie măreția sufletului lui Ivan Susanin - un cetățean devotat Patriei, un tată care își iubește familia. Aceste calități umane sunt încă semnificative pentru fiecare dintre noi astăzi.

Dramaturgia operei se bazează pe confruntarea conflictuală dintre două forțe, dezvoltarea unor teme muzicale contrastante: cântecul rusesc și dansul polonez și muzică instrumentală.

Opera este alcătuită din patru acte și un epilog.

Acțiunea are loc în toamna anului 1612 și iarna anului 1613.

(Actul 1 - în satul Domnino, Actul 2 - în Polonia, Actul 3 - în coliba lui Susanin, Actul 4 - în păduri, epilog - la Moscova în Piața Roșie).

În introducere (introducere în operă), sună refrenul „Patria mea”, care întruchipează voința neînduplecată a poporului rus de victorie.

Actul 1: O imagine a vieții pașnice a sătenilor și a familiei lui Susanin se desfășoară pe scenă. Țăranii din satul Domnino salută cu bucurie miliția. Doar Antonida este tristă. Ea așteaptă întoarcerea logodnicului ei, Bogdan Sobinin, care a plecat cu alaiul său să distrugă nobilimea poloneză. Cavatina ei este plină de sinceritate și tandrețe, iar rondo-ul ei elegant și plin de viață dezvăluie lumea strălucitoare și veselă a viselor de fete: „În fiecare dimineață, în fiecare seară, aștept cu nerăbdare să mă întâlnesc cu dragul meu prieten.” Susanin înțelege sentimentele fiicei sale, dar vrea să o pregătească pentru încercările pe care le aduce această perioadă dificilă. Nu este momentul să ne gândim la căsătorie. Dintr-o dată vine un cântec din râu. Acesta este Sobiin care se întoarce cu echipa sa. A adus o veste bună: Minin și Pojarski au condus armata rusă, iar militarii se înghesuiau la ei de peste tot. Țăranii se bucură: ceasul eliberării este aproape. Decizia lui Susanin de a amâna nunta îl supără pe Sobinin: până la urmă, s-a întors în satul natal pentru nuntă. La început, Susanin este neclintit, dar după ce află că inamicii sunt asediați la Moscova, el este de acord.

Actul 2: Aici este dezvăluită o imagine generalizată a cuceritorilor polonezi care anticipează victoria. În vechiul castel polonez al regelui Sigismund al III-lea, nobilimea arogantă, încrezătoare în victoria lor, se sărbătorește cu bucurie. Sala puternic luminată este plină de oaspeți care se bucură. Dintr-o dată dansul este întrerupt de apariția unui mesager. El relatează despre înfrângerea trupelor mercenare și despre asediul detașamentului polonez de la Moscova. Nobilimea este în frământare. Cavalerii se pregătesc de luptă, lăudându-și armele, jurând că vor cuceri „smerds-urile urâte”.

Actul 3: În casa lui Susanin se pregătesc pentru nunta lui Antonida și Sobinin. Fiul adoptiv al lui Susanin, Vanya, visează să meargă cu Sobinin împotriva polonezilor. Țăranii care au intrat îi felicită pe miri, Susanin îi invită la nuntă. Deodată se aude vagabondul unui cal. Ușa se deschide și polonezii intră în colibă. Au nevoie de un ghid pentru a ajunge la Moscova. În zadar, dușmanii lui Susanin îl convin - nu va deveni un trădător. Apoi polonezii îi oferă lui Susanin aur. În mod neașteptat, Susanin este de acord: este lovit de ideea de a conduce polonezii într-un desiș de pădure de nepătruns. În secret de dușmanii săi, o trimite pe Vanya să-l avertizeze pe Minin despre pericol și pleacă cu polonezii. După ce au aflat despre ceea ce s-a întâmplat, Sobinin și echipa sa pleacă în fugă în urmărirea inamicilor lor.

Drama experiențelor emoționale este transmisă de romantismul Antonidei („Nu mă plâng pentru asta, iubite”), care este țesut în melodia simplă a corului de nuntă al prietenelor.

Vania informează soldații ruși despre sosirea detașamentului polonez. Războinicii sunt hotărâți să învingă inamicii și să salveze pe Susanin. Conduși de Minin, ei înaintează pentru a întâlni inamicul.

Actul 4: Polonii obosiți și înghețați rătăcesc printr-o pădure deasă, impenetrabilă. Dușmanii bănuiesc că Susanin și-a pierdut drumul. În cele din urmă detașamentul se oprește pentru a se odihni, polonezii adorm. Susanin nu doarme. Știe că moartea îl așteaptă: polonezii simt adevărul. A fost greu să mori, dar și-a îndeplinit datoria. Recitativul și sunetul aria al lui Susanin. Se ridică un viscol, iar în fluierul vântului Susanin își imaginează vocile copiilor. Devine din ce în ce mai strălucitor. Polonezii treziți sunt îngroziți să realizeze că nu vor putea ieși din sălbăticia adâncă a pădurii. Susanin, triumfător, dezvăluie adevărul teribil panamului. Polonezii înfuriați îl ucid.

Epilog: La Moscova, pe Piața Roșie, oamenii primesc trupele rusești. Vanya, Antonida și Sobinin sunt și ele aici. Poporul sărbătorește eliberarea și slăvește eroii care și-au dat viața pentru victoria asupra inamicului. Refrenul final „Glorie!”, scris în spiritul unei cântări populare victorioase, radiază lumină și transmite triumful și jubilația poporului.

Premiera: 27 noiembrie (9 decembrie), 1836 la Teatrul Bolshoi din Sankt Petersburg.

O nouă eră în arta muzicală rusă a început cu opera și a fost determinată întreaga cale de dezvoltare a genului de operă în Rusia.

Opera „Prințul Igor”

Opera „Prințul Igor” (), membru al comunității compozitorilor ruși The Mighty Handful, este și ea dedicată paginilor istoriei Rusiei. Intriga operei se bazează pe poemul patriotic al Rusiei antice „Povestea campaniei lui Igor”, completat de alte documente și cronici istorice. Este dedicat nu victoriilor, dintre care armele rusești au avut multe, ci înfrângerii, în urma căreia prințul a fost capturat și echipa sa a fost distrusă.

Dramaturgia operei se bazează pe o comparație a două lumi opuse, două forțe: rușii - Prințul Igor cu fiul său Vladimir și echipa sa, Prințesa Iaroslavna, fratele ei Vladimir Galitsky și polovțienii - Han Konchak, războinicii săi.

Acțiunea se desfășoară: în prolog, în actul I și IV - în orașul Putivl, în actul II și III - în lagărul Polovtsian.

Ora: 1185

Prolog. În vechiul oraș rusesc Putivl, prințul Igor și alaiul său se pregătesc să pornească o campanie împotriva polovțienilor. Oamenii îl slăvesc solemn pe prinț - corul „Slavă Soarelui Roșu!” Brusc, pământul este învăluit în întuneric - începe o eclipsă de soare. Văzând aceasta ca pe un prevestitor neplăcut, oamenii și boierii îl descurajează pe Igor; Soția sa Iaroslavna îl roagă și ea pe prinț să rămână. Dar Igor este neclintit. După ce i-a încredințat îngrijirea soției sale fratelui ei Vladimir Galitsky, el își conduce prietenii în luptă cu inamicul.

Actul 1: Galitsky a profitat de plecarea lui Igor. Împreună cu slujitorii săi, se dezvăluie și se revoltă; Sărbătoarea răvășită este dominată de fluierătorii beți Skula și Eroshka, trupele care au fugit din Igor. Galitsky prețuiește visul de a deveni prinț în Putivl, dar între timp îi asuprește pe locuitori în toate felurile posibile. După ce a răpit cu îndrăzneală fata, prințul își alungă prietenele care au venit să-i ceară eliberarea.

Fetele caută protecție împotriva infractorului arogant din Iaroslavna. Dar, în ciuda toată determinarea și fermitatea ei, prințesa nu poate face față fratelui ei. Boierii aduc vești proaste: într-o luptă inegală întreaga armată a fost ucisă, Igor a fost rănit și luat prizonier împreună cu fiul său, iar hoarde de Polovtsy se apropie de Putivl. Se aude un sonerie de alarmă, care anunță o invazie inamică.

Actul 2: Seara în lagărul Polovtsian. Fetele polovtsiene o distrează pe fiica khanului, Konchakovna, cu cântece și dansuri, dar numai o întâlnire fericită cu iubitul ei prinț Vladimir a spulberat tristețea frumuseții. Igor se gândește adânc.

Imaginea prințului Igor este cel mai clar dezvăluită de compozitor în aria sa. Nimic nu-i face plăcere prințului, el este chinuit de gândurile unei înfrângeri neglorioase, de soarta oamenilor apropiați și de gândurile despre patria sa. Aria prințului Igor se deschide cu o scurtă introducere a orchestrei. Acordurile grele transmit chinul mental al eroului. Introducerea este urmată de un recitativ-meditație („Fără somn, fără odihnă pentru sufletul chinuit...”). Imaginile fulgeră în fața minții prințului Igor: o eclipsă de soare (un vestitor al nenorocirii), amărăciunea înfrângerii, rușinea captivității. Un apel pasionat se aude în muzica ariei („O, dă, dă-mi libertate...”). O melodie nobilă, plină de suflet profund și căldură, este conectată în aria prințului Igor cu amintirile soției sale, Yaroslavna, un prieten credincios și iubit (secțiunea de mijloc a ariei). Toate episoadele enumerate ale ariei ne permit să simțim tragedia trăită de prințul Igor. El, ca și simplul țăran Ivan Susanin, este preocupat de soarta Patriei sale și se străduiește să o protejeze din toate puterile.

Credinciosul Ovlur îi oferă scăpare. Igor visează să iasă din captivitate, dar ezită - nu este potrivit ca un prinț rus să scape în secret. Războinic Khan Konchak și-a admirat noblețea și curajul. Îl primește pe Igor ca oaspete de onoare. Khan este chiar gata să-l lase să plece dacă Igor își dă cuvântul să nu ridice o sabie împotriva polovtsienilor. Dar Igor declară cu îndrăzneală că, după ce a câștigat libertatea, va aduna din nou regimente pentru khan. Pentru a risipi gândurile sumbre ale prințului, Konchak le ordonă sclavelor să cânte și să danseze.

Cu o pricepere deosebită, compozitorul reproduce aroma orientală a muzicii, creând melodii colorate cu modele complicate și ritmuri memorabile. sună melodia fascinantă a corului de sclave polovtsiene, care lasă loc vocii războinice a bărbaților. Este preluat de un cor de polovțieni care lăudează pe Han (dansuri polovtsiene)

Actul 3: Armata Hanului se întoarce cu prada bogată. Aflând de la ei despre ghinionul care s-a abătut pe Putivl-ul său natal, Igor hotărăște să evadeze și, când gardienii adorm, ajunge la o înțelegere cu Ovlur. Konchakovna, care a auzit această conversație, îl roagă pe Vladimir să nu o părăsească. Dar dragostea luptă în sufletul prințului cu simțul datoriei. Atunci Konchakovna trezește tabăra de dormit și îl reține pe Vladimir; Igor reușește să scape. Hanii furioși cer moartea prințului, dar Konchak îl declară pe Vladimir ginerele său.

Actul 4: Dimineața devreme în Putivl, Iaroslavna plânge amar pe zidul orașului (Plângerea Iaroslavnei). În caracterizarea muzicală a Iaroslavnei, compozitorul nu a folosit melodii cu adevărat populare, dar este pătruns cu intonații populare ale genurilor antice de cântece de lamentare și lamentare.

Iaroslavna se întoarce spre vânt, soare și Nipru cu o rugăciune pentru a-i întoarce pe dragul Igor. Călăreții apar în depărtare. Acesta este Igor, însoțit de Ovlur. Skula și Eroshka uimiți îi văd. Ingeniosul Skula se oferă să sune clopoțelul pentru a fi primul care anunță oamenii despre întoarcerea prințului. Trucul reușește. Pentru a sărbători, claxonele sunt iertate. Împreună cu oamenii îl salută pe Igor.

În teatrul muzical.

Baletul (din italian baleto - dans) a apărut în perioada Renașterii în secolele XIV - XV. în Italia. În acest moment, încep să facă distincția între dansurile de zi cu zi, ca parte a modului de viață, destinate divertismentului și dansurile de scenă.

Baletul este o operă muzicală și dramatică în care acțiunea este transmisă prin dans și pantomimă. Ei îndeplinesc un rol asemănător cântării în operă. Atât în operă, cât și în balet, sunetul unei orchestre simfonice este de mare importanță: muzica conectează toate elementele dramei și, dezvăluind relațiile interne complexe ale personajelor, exprimă ideea principală a operei.

În timp ce citesc programul unui spectacol de balet, spectatorii pot întâlni cuvinte franceze precum pas de deux (dans pentru doi), pas de trois (dans pentru trei), grand pas (dans mare). Așa se numesc numerele individuale de balet. Și frumosul cuvânt italian adagio, care denotă tempo-ul muzicii, este folosit în balet pentru a descrie dansul liric lent al personajelor principale.

Principalele tipuri de dans într-un spectacol de balet sunt clasicul și de caracter. Dansurile caracteristice includ mișcări comune în cultura populară și de zi cu zi. Dansul clasic este mai convențional, bogat în simbolism figurativ, particularitatea sa este că este executat pe pantofi vârfuri.

Regizorul unui spectacol de balet este un coregraf (din germană - balletmeister), care dezvoltă dramaturgia generală a spectacolului, gândește prin „desenul” dansului, gesturi și soluții plastice pentru imagini.

Un rol important într-un spectacol de balet îi revine dirijorului unei orchestre simfonice. Principalul lucru în munca sa este capacitatea de a realiza planul compozitorului, de a dezvălui stilul lucrării, combinându-le cu ideea de coregraf, individualitatea dansatorilor solo și priceperea corpului de balet care execută dans în masă. scene.

Un spectacol de balet modern diferă în multe privințe de unul clasic. Poate include dansuri ritmice, pantomimă, elemente de acrobație, efecte de lumină și sunet, decoruri și costume originale și chiar cântări (coruri). Acest lucru este cerut de noul limbaj muzical al baletului modern.

Muzică clasică... Fiecare înțelege această frază în felul său. Pentru unii, acestea sunt melodiile ușoare și aerisite ale lui Mozart, pentru alții, cantatele și oratoriile lui Bach. Unii își amintesc imediat valsurile vesele ale lui Strauss și polcile înfocate ale lui Chopin, în timp ce alții își amintesc imediat simfoniile frenetice ale lui Șostakovici. Deci cine are dreptate? Și toți au la fel de dreptate!

Cuvântul „clasic” provine din latinescul classicus, care înseamnă exemplar. Dacă ne întoarcem la surse competente, de exemplu, Enciclopedia Muzicii, vom găsi acolo câteva definiții ale muzicii clasice.

Pe lângă definiția binecunoscută și oarecum primitivă a „muzicii serioase”, aflăm ce este aceasta:

lucrări muzicale exemplare ale unor compozitori remarcabili de altădată, care au trecut testul timpului;
lucrări muzicale scrise într-o anumită perioadă istorică în artă (de la baroc la modernism);
opere muzicale scrise după anumite reguli și canoane cu respectarea proporțiilor necesare și destinate interpretăriiorchestră simfonică, ansamblu sau solişti.

Muzica clasică este diversă în genuri: simfonii, suite, sonate, studii, nocturne, fantezii, fugi, opere, balete, muzică sacră. Principalele instrumente pentru interpretarea muzicii clasice sunt coarde, clape, instrumente de suflat și percuție: vioară, violoncel, pian, flaut, oboi, clarinet, trompetă, timpane, chimvale, tobă și, bineînțeles, orgă. Acesta este instrumentul care poate fi numit fondatorul muzicii clasice, deoarece își duce originile înapoi în Renaștere, adică. in secolul al XVI-lea! Iar perioada sa de glorie este secolul al XVII-lea - epoca barocului. În acest moment au apărut genuri muzicale precum sonata și opera, care sunt și astăzi relevante. Cel mai mare geniu din istoria muzicii, Johann Sebastian Bach, a lucrat în epoca barocului, el a descoperit noi posibilități nelimitate de a crea opere muzicale. Muzica acelei epoci era caracterizată de forme elaborate, complexitate, fast și plenitudine emoțională. Apoi s-au născut fugile lui Bach, oratoriile lui Händel și concertele pentru vioară ale lui Vivaldi în patru anotimpuri.

Dar epocile s-au succedat, vremurile s-au schimbat, oamenii s-au schimbat - iar muzica a devenit diferită! Pretentiozitatea si fastul au fost inlocuite de muzica frumoasa, usoara, aerisita, eleganta. Ai ghicit încă? Desigur, acesta este Mozart, genialul și inimitabilul Mozart! Frumusețea și armonia sunt sinonime ale melodiilor sale. A zburat peste epoca clasicismului ca o cometă, luminând-o pentru totdeauna cu lumină puternică.

La sfârșitul secolului al XVIII-lea, o altă vedetă a muzicii clasice s-a ridicat la orizontul muzical– Ludwig Van Beethoven. A început să scrie muzică în stilul clasic moștenit de la Mozart. Dar talentul real aduce întotdeauna cu el ceva nou, motiv pentru care se spune că Beethoven a „despărțit” literalmente stilul clasic cu muzica sa, devenind fondatorul unei noi ere - era romantismului. Muzica clasică a acestei epoci este mai pasională, profundă, expresivă emoțional și individuală. Este îndreptată adânc în sufletul uman, arătând profunzimea și bogăția lumii interioare. În această perioadă, compozitori remarcabili precum F. Chopin, J. Strauss, F. Liszt, P.I. Ceaikovski și mulți alții.

Iar ultima perioadă în dezvoltarea muzicii clasice este perioada 1910-1960, care a intrat în istorie sub numele de Modernism. Reprezentanți proeminenți ai acestei direcții în muzică sunt A. Scriabin, D. Șostakovici și S. Rachmaninov. Muzica acestei perioade este nouă și revoluționară. Se adresează oamenilor noii ere și promovează libertatea creativă absolută a individului și un apel la auto-realizare.

Pentru a rezuma toate cele de mai sus, putem concluziona că muzica clasică este eternă. Este frumos și armonios, principala sa caracteristică este combinarea profunzimii experiențelor transmise cu o varietate de tehnici muzicale. Ea ne-a însoțit de secole. Puterea sa misterioasă constă în faptul că atunci când o ascultăm astăzi, trăim aceleași sentimente ca și primii ascultători. Cel mai bun lucru este să mergi la un concert sau să asculți un CD de muzică clasică și să lași pe fiecare să decidă singur ce înseamnă această frază pentru ei!