Băi

Mare stil Louis. Stil mare, stil Ludovic al XIV-lea. Ludovic al XV-lea cu spătar din răchită și perne cu un model luminos și modern, Chelini

În a doua jumătate a secolului al XVII-lea, Franța a devenit o putere europeană de frunte. A trebuit urgent să ajungem din urmă și să depășim Italia, inclusiv la capitolul gusturi și modă.

Cu această ocazie, sub Ludovic al XIV-lea (1643–1715), s-a înființat chiar un departament special, responsabil cu toate tipurile de arte, condus de pictorul Charles Lebrun. Și apoi a început...

Interioarele palatului din acea perioadă erau pline de splendoare ceremonială. Stilul nou inventat trebuia să glorifice puterea monarhului. Problema a fost rezolvată simplu: mai multă masivitate, sculptură și aurire. Ornamentul este strict simetric. Frunze de acant, fructe, scoici, măști și capete de fava. A fost nou combinat cu simboluri militare. Motivelor inspirate din Roma antică (coifuri și scuturi) li s-au adăugat semnele „regelui soare”: o față strălucitoare sau două litere împletite L. Meșterii au încrustat cu generozitate mobilierul cu abanos, cupru, tablă, carapace de broască țestoasă și mamă. perla. Cele mai faimoase lucrări din această tehnică au fost create de ebanistul Andre-Charles Boulle, motiv pentru care stilul este uneori numit pur și simplu „Boulle”. Un detaliu remarcabil: picioarele scaunelor și scaunelor sunt legate prin bare transversale care formează litera H sau, mai târziu, X. Spătarele scaunelor sunt decor de înalte, iar scaunele joase sunt decorate cu franjuri. În aceeași perioadă s-a răspândit mobilierul confortabil cu sertare. Aceasta este o comodă care a eliminat cufere, precum și un birou. O altă invenție a epocii este masa de consolă. Blatul meselor console este adesea realizat din marmură sau căptușit cu mozaicuri florentine, susținute de figuri alegorice. (Astfel de console se găsesc în foaierele multor hoteluri de lux, precum și în casele unde de obicei țin recepții.) Apare și o canapea, care arată ca mai multe fotolii puse împreună. Cu toate acestea, până la sfârșitul perioadei, interioarele își pierd fastul și câștigă grație, prefigurand stilurile ulterioare ale Regenței și Ludovic al XV-lea.


Comoda pare a fi realizată în întregime din marqueterie, bronz și aurire. Salon de antichități Segoura, Paris	Birou galerie de antichități Kraemer, Paris
	Consolă, secolul XVII. Din colecția salonului antic Perrin, Paris
	Barocul este cel mai radical dintre stilurile opuse minimalismului. Acest tip de ulei este uleios. Când există marqueterie, și suprapuneri de bronz, și aurire, și marmură și sculptură. Masivul cabinetului este uimitor. Natura ocupată a lucrării este admirabilă. Dar ceea ce atrage privirile cel mai mult este muscularitatea atlanților și expresivitatea ipostazei lor. De parcă ar fi fost pe cale să izbucnească. A doua jumătate a secolului al XVII-lea, Franța

O trăsătură caracteristică a stilului: marqueteria decorează suprafața mobilierului atât de bogat încât arată ca o pictură. Motivele sunt foarte diverse: de la florale și florale la militare, greco-romane. Picioarele dulapului erau masive, patrulatere; se pare că maestrul nu a considerat că este suficient de elegant, așa că a așezat în față o pereche de picioare de curte din bronz aurit.


	Mobilierul este acoperit cu catifea (în cea mai mare parte culoare roșu închis „royal”), tapiserie și mătase. Preferă modelele florale, culorile contrastante și strălucitoare. Copiați țesăturile fabricate de Prelle

Comodă cu marqueterie modelată, detalii sculptate sculptate și suprapuneri din metal aurit. Fabricat de CMT	Cutie, argint, placat cu argint. Paris, 1704–1712. Din colecția lui De Leye, Bruxelles

În primii ani ai domniei lui Ludovic al XIV-lea, nobilii stăteau în fotolii care aminteau de epoca predecesorului regelui, dar în noul context interior arătau proaspăt Below Armchair, realizat de Angelo Cappellini.	Consolă (cu blat de marmură) în stil Ludovic al XIV-lea. Eliminați-o. un lucru de o mare frumusete. O copie exactă a palatului, produsă de Provasi

Epoca lui Ludovic - al XV-lea și al XVI-lea - a oferit lumii un mobilier minunat care este și astăzi de actualitate. Selecția noastră include cele mai interesante interpretări moderne ale fotoliilor și scaunelor clasice în stil Louis.

1. Fotoliu și masă în stilul lui Ludovic al XV-lea, Silvano Grifoni, WWTS

Un scaun cu spatele drept pe picioare aparent lasate (acesta este XV) și un scaun pe picioare drepte cu un spate medalion (XVI). Ambele opțiuni sunt doar lovituri.

2. Ludovic al XV-lea în tapițerie la modă cu imprimeu tropical, Boiserie Italia

Tropicele sunt o temă foarte la modă în designul interior astăzi, iar autorii acestor scaune nu s-au temut să combine un cadru aurit sculptat și un imprimeu modern într-o singură piesă de mobilier. A iesit proaspat!

3. Ludovic al XVI-lea în albastru la modă, Coleccion Alexandra

La curtea lui Ludovic al XVI-lea, o astfel de tapițerie ar fi părut o încălcare flagrantă a protocolului: erau prescrise tapițerii cu modele florale, coroane, panglici și spice de porumb. Cu toate acestea, în zilele noastre, o dungă jacquard pe un material simplu este percepută ca o opțiune clasică, potrivită pentru un scaun în interior. Așa cum este!

4. Ludovic al XV-lea cu spătar din răchită și perne cu model luminos și modern, Chelini

Acest scaun este foarte adânc și, datorită adâncimii sale, înălțimea spătarului este „ascunsă”. De fapt, nu este atât de scăzut pe cât pare. Totuși, datorită acestui efect, se creează o senzație de confort deosebit și de impunitate a scaunului. Arată foarte la modă datorită combinației dintre un cadru închis la culoare cu un imprimeu textil strălucitor.

5. Ludovic al XV-lea: influență eclectică, Colombo Mobili

Acest scaun are cu siguranță un prototip istoric recunoscut: picioarele sunt drepte. Cu flaute și spate cu medalion. Cu toate acestea, ușurința siluetei și adâncitura de sub „medalion” indică faptul că acest scaun a fost realizat după imaginea și asemănarea unui scaun cu minge de la sfârșitul secolului al XIX-lea. Presupunerea este confirmată de culoarea naturală a lemnului și de scaunul din catifea de culoarea vinului.

6. Fotoliu stil Ludovic al XVI-lea, Lenjerie de pat

Acest scaun este foarte asemănător cu scaunul - prototipul istoric, dar este mult mai confortabil, atât în esență, cât și ca aspect. Puternic și destul de larg (dar nu în detrimentul curtenței), este conceput pentru o persoană modernă cu nevoile și ideile sale despre confort. Floarea de pe spate este un design clasic, potrivit vremii, dar este foarte marita si asezata in centru, in spiritul zilei de azi.

7. Mobilier de exterior, Flamant

S-ar părea că acest scaun este absolut modern. Dar aruncați o privire mai atentă: răchita acoperă un cadru realizat „pe baza” Ludovic al XV-lea. Dar picioarele perfect drepte aparțin epocii următoare, Ludovic al XVI-lea. Apropo, pe atunci existau multe forme de tranziție (la urma urmei, o schimbare a stilului este un proces gradual), iar astăzi vedem toată varietatea de forme și culori de care este capabil postmodernismul.

8. Scaune stil Ludovic al XVI-lea, Modenese Gastone

Acesta este doar un exemplu de abordare postmodernă a subiectului. Nu există sculptură, forma este foarte laconică, se păstrează doar cele mai comune trăsături ale unui scaun în stil Ludovic al XVI-lea: spătarul este un medalion și – nici măcar drepte, ci „aproape” picioare drepte. Da, există deja o ușoară îndoire, caracteristică mobilier modern. Astfel de scaune sunt versatile din punct de vedere stilistic și se potrivesc perfect într-un interior eclectic modern.

9. Berger, Moissonier

Un scaun confortabil cu cotiere dintr-o singură bucată. Un fotoliu francez cu un check englezesc (sau mai degrabă scoțian) este perfect atât pentru o cameră de zi, cât și pentru un birou. Lucru scump, stilat și în același timp fără pretenții.

10. Scaun sculptat, Moissonier

Un alt scaun de „perioadă de tranziție”. Frumoase doamne în costume din secolul al XVIII-lea (printuri pe tapițerie) adaugă un efect teatral.

11. Fotoliu în stilul lui Ludovic al XIV-lea, Provasi

Da, aceste picioare sculptate amintesc de picioarele răsucite ale scaunelor dreptunghiulare din epoca lui Ludovic al XIV-lea. Proporții confortabile - din epoca lui Ludovic al XV-lea. Tapițeria joacă un rol important în acest model: o soluție monocromă ultra-modernă.

12. Fotoliu tapitat Paisley, Provasi

Asociat cu domnia regelui Ludovic al XIV-lea (1643-1715), de unde și numele. Acest stil combină elemente de clasicism și baroc. Cu structura sa figurativă, „Stilul Mare” a exprimat ideile de triumf al puterii regale puternice, absolute, unității naționale, bogăție și prosperitate, de unde și epitetul „ Le Grand».

În 1643, moștenitorul tronului în vârstă de cinci ani s-a trezit în fruntea Franței. Ludovic al XIV-lea, mama sa, Regina Ana a Austriei, a devenit regentă. Politica a fost stabilită de primul ministru, atotputernicul cardinal Mazarin. În ciuda urii poporului față de cardinalul italian și a antipatiei față de „regina austriacă”, ideea necesității unei puteri absolute durabile ca o condiție indispensabilă pentru dezvoltarea națiunii franceze și unificarea țării a adunat mințile de conducere ale timpul - politicieni, nobilimi, scriitori și artiști - în jurul tronului. În 1655, tânărul rege a rostit celebra frază la o ședință a parlamentului: „ L"Etat, c"est moi! („State, eu sunt!”). Iar curtenii, nu fără lingușiri, desigur, l-au poreclit „ Roi Soleil" - "Regele Soare" (care strălucește mereu peste Franța). Ministrul de Finanțe al Regelui Soare J.-B. Colbert„supraveghea” dezvoltarea arhitecturii și activitățile Academiilor. În 1663, Colbert a organizat „ Academia de Inscripții”, anume pentru alcătuirea de inscripţii pentru monumente şi medalii de slăvi pe rege. Arta a fost declarată chestiune de stat. Artiștilor li s-au dat instrucțiuni directe pentru a glorifica puterea regală nelimitată, indiferent de mijloace.

Idealuri estetice

„Stilul mare” trebuia să reflecte noile idealuri ale absolutismului. Nu putea fi decât Clasicism, asociat cu măreția vechilor greci și romani: regele francez a fost comparat cu Iulius Cezar și Alexandru cel Mare. Dar clasicismul strict și rațional părea insuficient de magnific pentru a exprima triumful unei monarhii absolute. În Italia la acea vreme stilul domina Stil baroc. Prin urmare, este firesc ca artiștii francezi să apeleze la formele barocului italian modern. Dar în Franța, barocul nu a putut să iasă din arhitectura clasicismului la fel de puternic ca în Italia.

Din epoca Renașterea franceză secolul al XVI-lea În această țară s-au stabilit idealurile clasicismului, a căror influență asupra dezvoltării artei nu a slăbit până la sfârșitul secolului al XIX-lea. Aceasta este caracteristica principală a " stil francez" În plus, formele clasiciste au prins rădăcini pe un alt sol decât în Italia, din puternicele tradiții naționale ale artei romanice și gotice. Așa se explică de ce din barocul italian au fost împrumutate numai elemente individuale, în timp ce principalele principii formative ale artei epocii lui Ludovic al XIV-lea au rămas ideile clasicismului. Astfel, în proiectarea fațadelor clădirilor s-a păstrat designul strict clasicist al pereților, dar elementele baroc au fost prezente în detaliile de design interior, spaliere și mobilier.

Influența ideologiei de stat a fost atât de mare încât din acel moment, etapele individuale ale dezvoltării artei în Franța au început să fie desemnate cu numele regilor: stilul lui Ludovic al XIV-lea, stilul lui Ludovic al XV-lea, stilul lui Ludovic al XVI-lea. . Obiceiul acestui nume a fost mai târziu inversat înapoi la vremea dinaintea domniei lui Ludovic al XIV-lea. O altă caracteristică importantă a epocii a fost că tocmai în Franța, în a doua jumătate a secolului al XVII-lea, a luat contur conceptul de stil artistic. Înainte de aceasta, în Italia, ideile clasicismului, abia începând să prindă contur, au fost imediat înlocuite de manierism și baroc.

Clasicismul ca mișcare artistică a luat contur în Franța și de atunci, nu Roma, ci Parisul a început să dicteze moda în artă și rolul acesteia nu a slăbit în secolele 18, 19 și 20 ulterioare. Pentru prima dată în istorie, în Franța, în epoca lui Ludovic al XIV-lea, stilul a început să fie recunoscut ca cea mai importantă categorie de artă, estetică și a devenit norma de viață, viața de zi cu zi și morala, pătrunzând toate aspectele etichetei curții ( cuvânt care a apărut și la curtea lui Ludovic al XIV-lea). Odată cu conștientizarea stilului vine și estetizarea elementelor formale individuale, cultivarea gustului și un „simț al detaliilor”. Această caracteristică a devenit o tradiție, care de-a lungul mai multor decenii a creat un „simț al formei”, o cultură plastică și o subtilitate a gândirii inerente în mod specific școlii franceze. Dar această cultură nu s-a dezvoltat ușor. La început, idealul renascentist al unei forme holistice, statice, autoechilibrate (oarecum zdruncinat de arta manierismului și barocului) a fost înlocuit de ideea de estetizare a „deliciilor aleatorii” și a mijloacelor individuale de atingere a frumuseții: linia, vopsea, textura materialului. În locul categoriei de compoziție (compositio), propusă de arhitectul și teoreticianul italian L. B. Alberti, se introduce conceptul de „compus mixt” (lat. mixtum compositura). Această fragmentare a început cu artiștii manieristi italieni care au lucrat la curtea lui Francisc I și apoi Henric al II-lea la școala din Fontainebleau. Studenții lor francezi, care lucrau în conți și castele regale de-a lungul râului. Loara și chiar Parisul au format treptat o cultură aristocratică a formei, care mai târziu a strălucit în stilul rococo al secolului al XVIII-lea, dar a dat primele roade în secolul al XVII-lea. „Poate că influența artei franceze asupra vieții straturilor superioare ale Europei, inclusiv a societății ruse, a fost mai puternică în secolul al XVIII-lea, dar bazele supremației limbii franceze, manierele, modele și plăcerile au fost puse, fără îndoială, de către timpul „Regelui Soare”.

Nu este o coincidență că a doua jumătate a secolului al XVII-lea este numită „cea mai strălucită perioadă a istoriei franceze”. Cele mai des întâlnite cuvinte, repetate adesea în memoriile și tratatele de estetică ale vremii: măreț, grandoare, lux, festiv... Probabil, splendoarea stilului de artă de curte a creat într-adevăr impresia unei „sărbătoriri eterne a vieții”. Potrivit celebrei memoriste Madame de Sevigne, curtea lui Ludovic al XIV-lea a fost mereu „în stare de plăcere și de artă”... Regele „ascultă mereu un fel de muzică, foarte plăcută. Vorbește cu doamnele care sunt obișnuite cu această onoare... Festivitățile continuă în fiecare zi și la miezul nopții.” În „secolul al XVII-lea strălucit”, stilul, eticheta și maniera au devenit o adevărată manie. De aici și moda pentru oglinzi și memorii. Oamenii doreau să se vadă pe ei înșiși din exterior, să devină spectatori ai propriei poziții. Înflorirea artei portretului de curte nu a întârziat să apară. Luxul recepțiilor de la palat i-a uimit pe trimișii curților europene.

În Marea Galerie a Palatului Versailles, mii de lumânări au fost aprinse, reflectate în oglinzi, iar rochiile doamnelor de la curte erau „atât de pline de bijuterii și aur, încât cu greu puteau merge”. Niciunul dintre statele europene nu a îndrăznit să concureze cu Franța, aflată atunci în apogeul gloriei sale. „Big Style” a apărut în la fix si la locul potrivit. A reflectat cu acuratețe conținutul epocii - dar nu starea sa reală, ci starea de spirit a minții. Regele însuși nu era interesat de artă; a purtat războaie fără glorie care au epuizat puterea statului. Și oamenii păreau să încerce să nu observe acest lucru, au vrut să arate așa cum li se păreau în imaginația lor. Ce aroganță! Când studiem această epocă, ai senzația că cei mai mari artiști ai ei au fost croitorii și frizerii. Însă, de-a lungul timpului, istoria a pus totul la locul său, păstrând pentru noi marile lucrări ale arhitecților, sculptorilor, desenatorilor și gravorilor. Mania pentru stil și „maniera grandioasă” franceză s-a răspândit rapid în toată Europa, depășind barierele diplomatice și guvernamentale. Puterea artei s-a dovedit a fi mai puternică decât armele, iar Berlinul, Viena și chiar prima Londra au capitulat în fața ei.

Principiile de bază ale stilului

„Stil Ludovic al XIV-lea” a pus bazele culturii internaționale ale curții europene și a asigurat cu triumful său răspândirea cu succes a ideilor Clasicismși stilul artistic Neoclasicismulîn a doua jumătate a secolului al XVIII-lea – începutul secolului al XIX-lea. in majoritatea tarilor europene. O altă trăsătură importantă a erei „Marelui Stil” este că tocmai în acest moment ideologia și formele academicismului european luau în sfârșit contur. În 1648, la inițiativa „primului pictor al regelui” Lebrun, Academia Regală de Pictură și Sculptură. În 1666, la Roma a fost creată Academia Franceză de Pictură. În 1671, a fost organizat la Paris Academia Regală de Arhitectură. F. Blondel cel Bătrân a fost numit director al acesteia, iar A. Felibien a fost numit secretar. „Stilul mare” necesita bani mari. Curtea regală, aristocrația curții, Academiile și Biserica Catolică au reușit să creeze un mediu, cel puțin pe raza capitalei, în care au apărut capodopere scumpe. În primul rând s-a impus construirea unor ansambluri arhitecturale grandioase. Au fost introduse funcțiile oficiale de „arhitect la rege” și „prim arhitect la rege”.

Toate lucrari de constructie erau în secția Curții. În 1655-1661. arhitect L. Levo construit pentru N. Fouquet, „controlor regal al finanțelor”, Palatul Vaux-le-Vicomte. Parc în stil obișnuit spart A. Lenotre, interioare strălucit decorate Ch. Lebrun. Palatul și parcul au stârnit o invidie atât de puternică a regelui Ludovic, încât ministrul Fouquet a fost aruncat în închisoare sub primul pretext, iar Levo și Le Nôtre au primit ordin să construiască ceva mai grandios la Paris și Versailles. În 1664-1674. Construcția fațadei de est a completat ansamblul arhitectural al Luvru, principala reședință regală din Paris. Fațada de est este numită „Colonada Luvru” din cauza șirului puternic de coloane duble ale „marelui ordin”. Coloane cu capiteluri corintice ridicate deasupra podeași se întind pe etajele al doilea și al treilea, creând o imagine puternică, austeră și maiestuoasă. Colonada se întinde pe 173 de metri. Istoria creării acestei capodopere este interesantă. Maestrul remarcabil al barocului roman matur, J. L. Bernini, a fost invitat să participe la concurs. A prezentat un proiect baroc cu fațade curbe elaborat, bogat în multe elemente decorative, dar francezii au preferat propriile lor, domestice, mai stricte și clasice. Autorul ei nu a fost constructor profesionist, și un medic pasionat de arhitectură și tradus în limba franceza tratat al lui Vitruvius. Era C. Perrault. El a apărat exclusiv vechile, vechile fundații italiene ale arhitecturii clasiciste. Împreună cu C. Perrault, F. de Orbe și L. Levo au luat parte la construcția Luvru, care a creat noile aripi de nord și de sud ale palatului.

În timpul domniei lui Ludovic al XIV-lea, arhitectul și fortificatorul S. de Vauban a devenit faimos, a construit peste treizeci de orașe fortificate noi și a reconstruit multe vechi. L. Levo a devenit autorul a două clădiri remarcabile care au avut o influență semnificativă asupra dezvoltării arhitecturii clasicismului european: Hotel Lambert(1645) și ansamblul " Colegiul celor Patru Națiuni» (« Institutul Franței"; 1661-1665). Lângă College de France în 1635-1642. arhitectul J. Lemercier a construit Biserica Sorbona cu o fațadă în stil baroc italian (conține mormântul cardinalului Richelieu, rectorul universității). Ca și capela Collège de France, Biserica Sorbona este încoronată cu un „dom francez”, neobișnuit pentru acea vreme. În 1671-1676. L. Bruan a ridicat un complex de clădiri pentru invalizi pentru veteranii de război pe malul stâng al Senei. În 1679-1706. arhitect J. Hardouin Mansart a completat acest ansamblu cu capodopera sa - Biserica Invalizilor. Domul său cu ornamente aurite, „lanternă” și turlă sunt vizibile de departe. Bisericile Institutului Franței, Sorbona și Invalizii erau un nou tip de clădire clasicistă, în plan centrat, cu portic, fronton triunghiular și cupolă pe un tambur cu coloane sau pilaștri. Această compoziție - așa-numita „schemă franceză” - a stat la baza multor lucrări ulterioare de arhitectură ale clasicismului european din secolele XVIII-XIX, inclusiv în Rusia. În 1685-1701. creat după proiectul lui J. Hardouin-Mansart în centrul Parisului Locul Ludovic cel Mare(mai tarziu - Place Vendôme). În plan dreptunghiular, cu colțuri tăiate, a fost conceput ca un ansamblu ceremonial în cinstea Regelui Soare. În centru se afla o statuie ecvestră a lui Ludovic al XIV-lea de F. Girardon (1683-1699); distrusă în timpul revoluției din 1789. Fațadele clădirilor care încadrează piața au același tip de portice, ceea ce conferă integrității și completitudinii compoziției. O altă piață în cinstea regelui, proiectată tot de J. Hardouin-Mansart, este „ Piața Victoriei„(Place des Victoires) a fost creată în 1685. A fost decorată cu statuia ecvestră a lui Ludovic al XIV-lea opera unui sculptor olandez M. fan Len Bogart(poreclit Desjardins); distrus în timpul revoluţiei din 1792 (restaurat de M. Bosio în 1822; vezi Cavallo).

În 1672, conform planului șefului Academiei Regale de Arhitectură, F. Blondel cel Bătrân, a fost ridicat în cinstea victoriilor armelor franceze - trecerea armatei regelui Ludovic peste Rin. Blondel a regândit forma Arcului de Triumf roman și a creat un nou tip de structură, „Stilul Mare”. Basoreliefurile arcului, bazate pe schițele lui Charles Lebrun, au fost realizate de sculptorii frații Angier. Din 1676, Blondel a dezvoltat un nou plan general pentru Paris, care a inclus crearea de mari ansambluri arhitecturale și perspective. F. Blondel a fost un teoretician remarcabil, în „Cursul de arhitectură” (1675), el a susținut că bazele stilului clasicist nu stau „în imitarea Romei”, ci în gândirea rațională și calculul precis al proporțiilor. Creatorul Colonadei Luvru, C. Perrault, s-a certat cu el. În 1691, un alt tratat teoretic cu același titlu: „Cursul de arhitectură” a fost publicat de Sh.-A. de Aviler. În 1682, Ludovic al XIV-lea a părăsit Parisul și curtea s-a mutat într-o reședință suburbană -.

Acest gest este văzut ca dorința regelui de a crea o nouă capitală strălucitoare, asociată în întregime doar cu numele său. Dintre sculptorii „Marele stil”, F. Girardon, A. Coisevo, N. Coustu (al cărui frate mai mic este cunoscut pentru grupele „Cailor Marley”), P. Puget, J. Sarazin, J.-B. Tub. În timpul domniei lui Ludovic al XIV-lea au lucrat doi pictori remarcabili: C. Lorrain și N. Poussin. Au lucrat în Italia și în aspirațiile lor erau departe de pomposul „Big Style”. Romancier convins, C. Lorrain este pictor peisagist, textier și romantic. N. Poussin a creat capodopere care întruchipează ideile clasicismului roman „pur”, care întruchipează și romantic armonia antichității. În ciuda cerințelor regelui, Poussin nu a vrut să lucreze în Franța și să fie pictor de curte. Prin urmare, laurii unui pictor de curte au fost câștigați mai întâi de academicianul rece și plictisitor S. Vuz, iar apoi de elevul său P. Mignard. În aceiași ani, a izbucnit celebra dispută dintre „Poussinists” (adepți ai clasicismului) și „Rubensists” (supținători ai barocului). La Academia Regală de Pictură, „Poussiniştii” au fost sprijiniţi de C. Lebrun, iar „Rubensiştii” de P. Mignard și Roger de Pille. C. Lebrun i-a venerat pe Raphael și Poussin și a dedicat acestor artiști prelegeri speciale la Academie; în 1642 l-a însoțit pe Poussin în Italia și a lucrat ceva timp alături de el la Roma. Dar este caracteristic faptul că dilema „Poussin-Rubens” (clasicism-baroc), reflectată în zidurile Academiei din Paris de confruntarea Lebrun-Mignard, și-a pierdut sensul, atât de asemănătoare a fost pictura academică: academicismul a nivelat diferențele de stil. . Portretele de curte ale „statuetei mari, sau stilului înalt” create de S. Vouet și P. Mignard sunt uneori numite „academicism baroc”. De pe pereții Galeriei Apollo din Luvru, regii francezi și cei mai buni artiști ai Franței ai vremii ne privesc - în toate portretele se remarcă o expresie disprețuitoare, condescendentă, iar pe chipul Regelui Soare (portret de Lebrun) există o grimasă disprețuitoare. Aceeași expresie este într-o lucrare de pictură și compoziție magnifică - un portret al lui Ludovic al XIV-lea de I. Rigaud. Majoritatea picturilor „primului pictor al regelui”, Ch. Lebrun, sunt cele mai plictisitoare exemple de clasicism academic.

În Luvru există o sală mare plină complet cu pânze uriașe de Charles Lebrun, este insuportabil să le privești. În același timp, „Portretul cancelarului Seguier” (1661), propria sa operă, este cea mai rafinată lucrare din punct de vedere al picturii. Aceste contradicții reflectă nuanțele erei Grand Style. O contribuție semnificativă la arta portretului ceremonial în „stil statuar” a fost adusă de gravori remarcabili J. Morin, C. Mellan, R. Nanteuil, J. Edelinck. Pictorul N. de Largilliere, care, la fel ca mulți alți portretiști, a lucrat sub influența lui A. Van Dyck, a pictat frumuseți seculare sub forma unor zeițe și nimfe antice pe fundalul unui peisaj forestier, care a anticipat trăsăturile Stilul rococo de la mijlocul secolului viitor. În secolul al XVII-lea În Franța au fost create cele mai bune lucrări din genul gravurii ornamentale, cel puțin: a fost creat genul în sine. Compozițiile lui J. Lepôtre, D. Marot cel Bătrân și J. Marot cel Bătrân, adunate în albume mari („Vase”, „Portale”, „Plafonduri”, „Cartușuri”, „Seminee”, „Borduri”) au demonstrat perfect Principalele caracteristici „Grand Style”, s-au răspândit în multe țări și au avut o influență semnificativă asupra dezvoltării artei decorative în toată Europa. Lucrând în acest gen, artiștii nu au fost reglementați de intriga și de cerințele clientului; și-au dat frâu liber imaginației, elaborând elementele formale individuale ale stilului la perfecțiune.

Manifestarea „Stilului Mare” în decor

Un artist decorativ remarcabil al Grand Style-ului, care a anticipat stilul rococo, a fost J. Veren the Elder. A proiectat festivități de curte, producții de opere de J.-B. Lully, compozitorul „stilului Versailles”, a realizat desene de mobilier, amenajări interioare și decorațiuni de nave. În aceiași ani, s-a dus la îndeplinire planul grandios al lui Ludovic al XIV-lea: să facă gravuri ale tuturor operelor de artă semnificative create în Franța în timpul domniei sale și aflate în colecțiile regale. O idee demnă de „Big Style”! O astfel de enciclopedie artistică a început să fie pregătită în 1663 și a fost publicată în albume de gravuri pe cupru „în folio” (în latină „în foaie”, adică format mare) în 1677-1683. Gravurile reproduc picturi, sculpturi, tapiserii regale, colecții de medalii, monede, camee, vederi ale palatelor regale și castelelor. În 1727 și 1734, aceste serii au fost publicate din nou sub denumirea de „Cabinet Regal” (o serie similară a fost creată în 1729-1742 sub conducerea lui P. Crozat). Inițiativele regelui Ludovic al XIV-lea au contribuit la formarea colecției de artă a Luvru. În 1662, prin ordin al ministrului J.-B. Colbert, dintr-un simplu atelier de vopsitori de lână de la periferia Parisului, a creat „Manufactura Regală de Mobilă”, sau Fabrica Gobelin.

Nu numai covoare țesute și tapiserii au fost produse acolo, ci și mobilier, mozaicuri și articole din bronz. Fabrica Beauvais a funcționat din 1664, Aubusson din 1665 și Savonnerie din 1624. La cumpăna secolelor XVII-XVIII. Arta franceză, conform impresiilor contemporanilor, a creat un sentiment de „lux nestăpânit și splendoare”. Coryverdure și tapiserii uriașe „picture” cu margini luxuriante - ghirlande de flori și fructe, embleme și cartușe, cu fire de aur și argint strălucitoare țesute, ocupau toți pereții. Nu numai că corespundeau caracterului interioarelor „Big Style”, dar le-au dat tonul. Principalul artist al manufacturii Gobelin a fost C. Lebrun. Cea mai faimoasă serie de tapiserii bazate pe cartonașele sale este „Lunile sau Castelele regale” (1666), în care Lebrun a combinat cu succes „ stil clasic Rafael cu fastul baroc al lui Rubens.” Din 1668 până în 1682 seria celor douăsprezece covoare s-a repetat de șapte ori. Alte serii, bazate tot pe cartonașele lui Lebrun, au devenit celebre: „Istoria lui Ludovic al XIV-lea”, „Elementele sau anotimpurile”, „Istoria lui Alexandru cel Mare”. Franța nu a cunoscut niciodată o asemenea abundență de capodopere ale artei decorative. Un eveniment în arta mobilierului au fost lucrările originale ale remarcabilului maestru A.-S. Bullya. Dulapurile monumentale și comodele operei sale, cu suprapuneri din bronz aurit și intarsie, bogate în culoare și textură, corespundeau măreției interioarelor palatelor ceremoniale. În secolul al XVII-lea, pe lângă catifea și mătase, dantelă a intrat la modă; a devenit un accesoriu obligatoriu nu numai pentru femei, ci și pentru costumele bărbaților.

La început, dantelă flamandă și guipură venețiană au fost importate în Franța. În 1665, la Alençon a fost înființat un atelier, unde meșterele locale au fost instruite de dantelării venețieni. Curând, Alençon guipure a început să fie numit „point de France” („Cusătură franceză”). Printr-un decret special, regele Ludovic și-a obligat curtenii să poarte numai dantelă franțuzească. S-au distins printr-un model deosebit de fin, rafinat. Bijutierul de curte al lui Ludovic al XIV-lea a fost argintarul C. Ballen primul. A creat tacâmuri și a turnat mobilier din argint pentru Versailles. Aceste lucrări nu au durat mult. În 1689, din cauza dificultăților financiare ale statului, regele a emis un „Decret împotriva luxului” privind topirea tuturor obiectelor de aur și argint în monede. S-au pierdut un număr imens de lucrări unice. Dar regele încă nu avea destui bani și decretul a fost repetat în 1700. Drept urmare, s-au cauzat pagube enorme artei bijuteriei din Franța, dar în același timp decretele au contribuit la creșterea producției de faianță în Rouen și Moustiers. . Argintăria urma să fie înlocuită cu ceramică. Așa a apărut „stilul radiant” unic de pictură pe faianță de Rouen. Sfârșitul secolului al XVII-lea a fost și perioada de glorie a artei broderiei de mătase. „Stilul măreț” al erei Regelui Soare a creat o altă tradiție franceză. Femeile au început să dea tonul în artă. Multe idei artistice originale s-au născut nu la tron, ci în Saloane (acest cuvânt a apărut și în secolul al XVII-lea), saloane aristocratice și budoare ale favoriților regelui: din 1661, Mademoiselle de Lavalliere, în 1668-1678 - F. de Montespan . Marchiza Françoise Athenais de Montespan (1641-1707) a fost un reprezentant al unei vechi familii aristocratice. Mulți artiști își datorează bunăstarea educației, gustului subtil și dragostei pentru artă. În 1678, Marie Angelica de Fontanges (1661-1681) a atras atenția regelui. Influența sa explică apariția noilor modele de îmbrăcăminte, coafuri și bijuterii. Așa că, într-o zi, în timpul unei vânătoare regale, părul ducesei de Fontanges s-a destrămat și și-a legat părul cu o panglică. Regele și-a exprimat admirația și în curând toate doamnele curții au început să-și poarte coafura „Fontange” (“a La Fontanges”).

În 1684, după moartea reginei, Ludovic al XIV-lea s-a căsătorit în secret cu marchiza Françoise de Maintenon (1635-1719). Marchiza s-a remarcat prin evlavia sa și de-a lungul anilor a devenit din ce în ce mai supusă influenței mărturisitorilor ei catolici. Prin ea, biserica a decis să-l convertească pe Ludovic pe calea evlaviei. Prin urmare, întreaga a doua jumătate a domniei a fost pictată în tonuri dure și a avut loc într-o atmosferă de „descurajare generală”. De asemenea, se crede că regele a decis să abroge Edictul de la Nantes în 1685, sub influența devotatului catolic Maintenon. Acest edict, emis de Henric al IV-lea încă din 1598, a garantat libertatea religioasă în Franța. Odată cu desființarea ei, o parte semnificativă a bijutierii, embosers, emaileri, ceramiciști, țesători, care erau foști protestanți, au fost forțați să părăsească Franța pentru totdeauna. S-au mutat în Germania, Anglia, Olanda și Elveția, acești maeștri au adus o contribuție semnificativă la dezvoltarea artelor decorative și aplicate în aceste țări. După ridicarea Edictului de la Nantes, s-a observat un declin în viața artistică a Franței. Până la sfârșitul secolului al XVII-lea. „Stilul mare” își epuizase în mod clar posibilitățile, „epoca de aur” a artei franceze se sfârșise pentru a lăsa loc artei de cameră și puțin obosită a stilului Regency de la începutul secolului al XVIII-lea. Dar tocmai din secolul al XVII-lea. Ideile clasicismului au început să se răspândească în Europa. Aceste idei au putut să se contureze într-un stil artistic internațional abia de la mijlocul secolului al XVIII-lea. Pentru Franța, după arta clasică a Renașterii secolului al XVI-lea. și „Marele stil” al secolului al XVII-lea, acesta era deja al treilea val al Clasicismului, prin urmare stilul artistic al artei franceze din a doua jumătate a secolului al XVIII-lea se numește Neoclasicism, în timp ce în raport cu alte țări europene este pur și simplu Clasicism.

Stil mare- (franceză „Grand maniere”, Le style Louis Quatorze) - stilul artistic al uneia dintre cele mai vibrante perioade din istoria Franței, „epoca de aur” a artei franceze din a doua jumătate a secolului al XVII-lea. Asociat cu domnia regelui Ludovic al XIV-lea (1643-1715), de unde și numele. Cu structura sa figurativă, „Stilul Mare” a exprimat ideile de triumf al puterii regale puternice, absolute, unității naționale, bogăție și prosperitate, de unde și epitetul său. Le Grand.

Dar în Franța, barocul nu a putut să iasă din arhitectura clasicismului la fel de puternic ca în Italia. Din epoca Renașterea franceză secolul al XVI-lea În această țară s-au stabilit idealurile clasicismului, a căror influență asupra dezvoltării artei nu a slăbit până la sfârșitul secolului al XIX-lea. Aceasta este caracteristica principală a „stilului francez”. În plus, formele clasiciste au prins rădăcini pe un alt sol decât în Italia, din puternicele tradiții naționale ale artei romanice și gotice. Așa se explică de ce din barocul italian au fost împrumutate numai elemente individuale, în timp ce principalele principii formative ale artei epocii lui Ludovic al XIV-lea au rămas ideile clasicismului. Astfel, în proiectarea fațadelor clădirilor s-a păstrat designul strict clasicist al pereților, dar elementele baroc au fost prezente în detaliile de design interior, spaliere și mobilier.

Odată cu conștientizarea stilului vine și estetizarea elementelor formale individuale, cultivarea gustului și un „simț al detaliilor”. Această caracteristică a devenit o tradiție, care de-a lungul mai multor decenii a creat un „simț al formei”, o cultură plastică și o subtilitate a gândirii inerente în mod specific școlii franceze. Cele mai des întâlnite cuvinte, repetate adesea în memoriile și tratatele de estetică ale vremii: măreț, grandoare, lux, festiv... Potrivit celebrei memoriste Madame de Sevigne, curtea lui Ludovic al XIV-lea a fost mereu „în stare de plăcere și artă. ”...

Regele „ascultă mereu un fel de muzică, foarte plăcută. Vorbește cu doamnele care sunt obișnuite cu această onoare... Festivitățile continuă în fiecare zi și la miezul nopții.”

În „secolul al XVII-lea strălucit”, stilul, eticheta și maniera au devenit o adevărată manie. De aici și moda pentru oglinzi și memorii. Oamenii doreau să se vadă pe ei înșiși din exterior, să devină spectatori ai propriei poziții. Înflorirea artei portretului de curte nu a întârziat să apară. Luxul recepțiilor de la palat i-a uimit pe trimișii curților europene. În Marea Galerie a Palatului Versailles, mii de lumânări au fost aprinse, reflectate în oglinzi, iar rochiile doamnelor de la curte erau „atât de pline de bijuterii și aur, încât cu greu puteau merge”.

Niciunul dintre statele europene nu a îndrăznit să concureze cu Franța, aflată atunci în apogeul gloriei sale. „Big Style” a apărut la momentul potrivit și la locul potrivit. Mania pentru stil și „maniera grandioasă” franceză s-a răspândit rapid în toată Europa, depășind barierele diplomatice și guvernamentale.

O altă trăsătură importantă a erei „Marelui Stil” este că tocmai în acest moment ideologia și formele academicismului european luau în sfârșit contur. Curtea regală, aristocrația curții, Academiile și Biserica Catolică au reușit să creeze un mediu, cel puțin pe raza capitalei, în care au apărut capodopere scumpe. În primul rând s-a impus construirea unor ansambluri arhitecturale grandioase. Au fost introduse funcțiile oficiale de „arhitect la rege” și „prim arhitect la rege”.

Toate lucrările de construcție au fost efectuate de către Departamentul Curții. În 1655-1661. arhitect L. Levo construit pentru N. Fouquet, „controlor regal al finanțelor”, Palatul Vaux-le-Vicomte.

Parc în stil obișnuit spart A. Lenotre, interioare superb decorate C. Lebrun.

Palatul și parcul au stârnit o invidie atât de puternică a regelui Ludovic, încât ministrul Fouquet a fost aruncat în închisoare sub primul pretext, iar Levo și Le Nôtre au primit ordin să construiască ceva mai grandios la Paris și Versailles. În 1664-1674. Construcția fațadei de est a completat ansamblul arhitectural al Luvru, principala reședință regală din Paris. Fațada de est este numită „Colonada Luvru” din cauza șirului puternic de coloane duble ale „marelui ordin”. Coloanele cu capiteluri corintice sunt ridicate deasupra parterului și se întind pe etajele al doilea și al treilea, creând o imagine puternică, austeră și maiestuoasă.

Colonada se întinde pe 173 de metri. Istoria creării acestei capodopere este interesantă. Maestrul remarcabil al barocului roman matur, J. L. Bernini, a fost invitat să participe la concurs. A prezentat un proiect baroc cu fațade curbate elaborat, bogat în multe elemente decorative, dar francezii și-au preferat propria lor, casnică, mai austeră și clasică. Autorul său s-a dovedit a fi nu un constructor profesionist, ci un medic pasionat de arhitectură și, în timpul liber, a tradus tratatul lui Vitruvius în franceză. Era C. Perrault. El a apărat exclusiv vechile, vechile fundații italiene ale arhitecturii clasiciste. Împreună cu C. Perrault, F. de Orbe și L. Levo au luat parte la construcția Luvru, care a creat noile aripi de nord și de sud ale palatului. În timpul domniei lui Ludovic al XIV-lea, arhitectul și fortificatorul S. de Vauban a devenit faimos, a construit peste treizeci de orașe fortificate noi și a reconstruit multe vechi. L. Levo a devenit autorul a două clădiri remarcabile care au avut o influență semnificativă asupra dezvoltării arhitecturii clasicismului european: Hotel Lambert(1645) şi ansamblu „Colegiul celor Patru Națiuni” (« Institutul Franței"; 1661-1665).

Lângă College de France în 1635-1642. arhitectul J. Lemercier a construit Biserica Sorbona cu o fațadă în stil baroc italian (conține mormântul cardinalului Richelieu, rectorul universității). Ca și capela Collège de France, Biserica Sorbona este încoronată cu un „dom francez”, neobișnuit pentru acea vreme. În 1671-1676. L. Bruan a ridicat un complex de clădiri pentru invalizi pentru veteranii de război pe malul stâng al Senei.

În 1679-1706. arhitect J. Hardouin Mansart a completat acest ansamblu cu capodopera sa - Biserica Invalizilor. Domul său cu ornamente aurite, „lanternă” și turlă sunt vizibile de departe. Bisericile Institutului Franței, Sorbona și Invalizii erau un nou tip de clădire clasicistă, în plan centrat, cu portic, fronton triunghiular și cupolă pe un tambur cu coloane sau pilaștri. Această compoziție - așa-numita „schemă franceză” - a stat la baza multor lucrări ulterioare de arhitectură ale clasicismului european din secolele XVIII-XIX, inclusiv în Rusia. În 1685-1701. creat după proiectul lui J. Hardouin-Mansart în centrul Parisului Locul Ludovic cel Mare(mai tarziu - Place Vendôme).

În plan dreptunghiular, cu colțuri tăiate, a fost conceput ca un ansamblu ceremonial în cinstea Regelui Soare. În centru se afla o statuie ecvestră a lui Ludovic al XIV-lea de F. Girardon (1683-1699); distrusă în timpul revoluției din 1789. Fațadele clădirilor care încadrează piața au același tip de portice, ceea ce conferă integrității și completitudinii compoziției. O altă piață în cinstea regelui, proiectată tot de J. Hardouin-Mansart, este „ Piața Victoriei„(Place des Victoires) creată în 1685.

Ea a fost decorată statuia ecvestră a lui Ludovic al XIV-lea opera unui sculptor olandez M. fan Len Bogart(poreclit Desjardins); distrus în timpul revoluţiei din 1792 (restaurat de M. Bosio în 1822; vezi Cavallo). În 1672, după proiectul șefului Academiei Regale de Arhitectură, F. Blondel cel Bătrân, a fost ridicată. Arcul Saint Denisîn cinstea victoriilor armelor franceze – trecerea armatei regelui Ludovic peste Rin.

Blondel a regândit forma Arcului de Triumf roman și a creat un nou tip de structură, „Stilul Mare”. Basoreliefurile arcului, bazate pe schițele lui Charles Lebrun, au fost realizate de sculptorii frații Angier. Din 1676, Blondel a dezvoltat un nou plan general pentru Paris, care a inclus crearea de mari ansambluri arhitecturale și perspective. F. Blondel a fost un teoretician remarcabil, în „Cursul de arhitectură” (1675), el a susținut că bazele stilului clasicist nu stau „în imitarea Romei”, ci în gândirea rațională și calculul precis al proporțiilor. Creatorul Colonadei Luvru, C. Perrault, s-a certat cu el. În 1691, un alt tratat teoretic cu același titlu: „Cursul de arhitectură” a fost publicat de Sh.-A. de Aviler. În 1682, Ludovic al XIV-lea a părăsit Parisul și curtea s-a mutat într-o reședință suburbană - Versailles.

Până la sfârșitul secolului al XVII-lea. „Stilul mare” își epuizase în mod clar posibilitățile, „epoca de aur” a artei franceze se sfârșise pentru a lăsa loc artei de cameră și puțin obosită a stilului Regency de la începutul secolului al XVIII-lea. Dar tocmai din secolul al XVII-lea. Ideile clasicismului au început să se răspândească în Europa. Aceste idei au putut să se contureze într-un stil artistic internațional abia de la mijlocul secolului al XVIII-lea.

Pentru Franța, după arta clasică a Renașterii secolului al XVI-lea. și „Marele stil” al secolului al XVII-lea, acesta era deja al treilea val al Clasicismului, prin urmare stilul artistic al artei franceze din a doua jumătate a secolului al XVIII-lea se numește Neoclasicism, în timp ce în raport cu alte țări europene este pur și simplu Clasicism.

Prezentarea a fost făcută pentru lecția „Clasicism” conform cursului Emokhonova (MHC clasa a XI-a). Dar acest material poate fi folosit în lecțiile de Istorie generală și în învățământul suplimentar. Conține un număr mare de ilustrații. Conceput pentru elevii de gimnaziu și liceu. Autorul îl folosește cu succes în lecții de câțiva ani.

Descarca:

Previzualizare:

Pentru a utiliza previzualizările prezentării, creați-vă un cont ( cont) Google și conectați-vă: https://accounts.google.com

Subtitrările diapozitivelor:

Clasicismul: arta clasicismului, marele stil regal al lui Ludovic al XIV-lea Plan de lecție Ce este clasicismul? Ce este Grand Royal Style? Arhitecți de frunte ai clasicismului francez Regele Soare ca operă de artă Artiști ai clasicismului francez Întregul secol al XVII-lea... Concluzii... Să ne testăm pe noi înșine? Prezentarea a fost făcută de profesorul Școlii MHC GBOU 1164 Geraskina E.V. Moscova

Clasicismul este al doilea sistem stilistic al secolului 17. Ca stil, clasicismul a apărut în Anglia și Olanda (țările în care au avut loc primele revoluții burgheze). Dar clasicismul capătă o semnificație specială în Franța. Rezultatul luptei brutale și sângeroase împotriva separatismului feudal pentru puterea centralizată a fost victoria absolutismului. Religiozitatea fanatică este înlocuită cu „credința fără excese”, care a predeterminat orice dezvoltare ulterioară a culturii.

Cerințele absolutismului pentru artă... Noile idealuri ale statului au cerut artei asemenea forme care să fie asociate cu măreția conducătorilor grecilor și romanilor antici. Cu toate acestea, clasicismul englezesc strict (rațional) nu părea suficient de magnific pentru a-l glorifica pe Ludovic al XIV-lea - „Regele Soare”. Prin urmare, arhitecții și artiștii francezi apelează la formele capricioase și sofisticate ale barocului italian.

„Great Royal Style” Principala diferență: combină rigoarea formelor clasice în arhitectură și arta peisajului cu fastul barocului în decorarea interioară. Cel mai viu realizat: Versailles (1624-1687) - reședința de țară preferată a regelui Ludovic al XIV-lea.

Versailles Louis Leveau (1612-1670) Vechiul palat de vânătoare al lui Ludovic al XIII-lea a fost extins și, în tradițiile clasicismului, axa centrală a fost evidențiată de portalurile din față și din grădină. De-a lungul celor trei bulevarde radiale de la intrarea principală de est, puternicii acestei lumi au venit la palat din Paris, Saint-Cloud și So. Cultura de curte a perioadei Versailles a iubit astfel de nuanțe, iar ansamblul Versailles a fost folosit ca fundal de teatru în scopul glorificării magnifice a monarhului.

Versailles de Jules Hardouin-Mansart (1646-1708) Palatul a fost mărit datorită extinderilor. Galeria oglinzilor lega camerele de stat ale regelui și reginei și forma fațada unui parc. Fațada parcului a dat Versailles-ului severitate clasică: predominanța liniilor orizontale, una singură acoperis plat Corespondența dimensiunilor exterioare ale clădirii cu dimensiunea camerelor interioare.

Versailles de grădinarul-planificator Andre Le Nôtre (1613-1700) „PARCUL ESTE arhitectura verde ceremonială” Caracteristicile unuia dintre primele parcuri obișnuite: 1. Prezența unui gard exterior, 2. Utilizarea terenului plat, 3. Împărțirea axială a zonei printr-o alee centrală largă cu plantații simetrice de-a lungul ambelor părți. 4. Elemente necesare parc - peluze cu iarbăși paturi de flori. 5. Marele Canal, rezervoare uriașe plate 6. Spaliere de tisă tăiate, alei radiale și priveliști îndepărtate. 7. Pentru a distra un număr mare de invitați.

Rezervoarele plate servesc ca oglinzi gigantice duplicând spațiul, aleile radiale îl extind vizual la infinit. Aleea axială, pornind de la fațada parcului a palatului și trecând în Marele Canal, creează impresia de profunzime nemărginită și de măreție excepțională a parcului, exprimând ideea de inaccesibilitate a persoanei regale. Aleea centrală, care părăsește palatul în direcția vestică, „absoarbe” alte alei și „se varsă” în Marele Canal, parcă astfel încât toate pădurile, câmpurile și apele țării să poată apărea în fața domnitorului în modul prescris. .

Ritualurile „Stăpânului naturii” Într-o zi de iarnă, regele a ieșit cu alaiul său în parc și s-a dovedit că parterele de flori erau parfumate cu flori proaspete (de aceea toate florile din Versailles erau plantate în ghivece). ; era mai convenabil să le înlocuiți pe cele ofilite). S-a dovedit că prezența „Regelui Soare” revigorează plantele. Ludovic al XIV-lea și-a plantat personal garoafele sale preferate, narcise jonquile și tuberoze în ghivece, pe care lingușitorii de la curte le-au înlocuit cu altele înflorite, asigurând că influența sa magică asupra naturii a permis plantei plantate să se dezvolte într-o zi.

Ludovic al XIV-lea - Regele Soare și Apollo... Simbolismul solar, care leagă imaginea „Regelui Soare” Ludovic al XIV-lea cu zeul soarelui Apollo, a servit aceleași scopuri. Amenajarea obișnuită a grădinii în sine reflectă ideea naturii ciclice a naturii, a cărei viață vine de la soare. Aleile radiale sunt asociate cu razele soarelui. Toate sculpturile din grădină și fântâni din Versailles sunt, de asemenea, subordonate mitologiei soarelui. Fântâna Apollo de la baza Marelui Canal reprezintă zeul soarelui care iese din mare pe o cvadrigă, însoțit de delfini și tritoni care suflă scoici. Soarele amintește de statuile alegorice ale anotimpurilor, zilelor, personaje ale mitologiei antice asociate cu Apollo, precum vânătoarea Diana, sora sa, sau tânărul Hyacinth, transformat în floare de Apollo.

simbolismul palatului Simbolismul palatului, care ocupă un loc central în ansamblul palatului și parcului Versailles, toate locuințele sale purtau amprenta „ritualității”. Principalul „altar” al palatului - dormitorul regelui - era situat pe axa centrală est-vest și avea ferestrele îndreptate spre soarele răsare. În urma soarelui, „regele soarelui” s-a mutat în sălile de stat dedicate zeilor antici Apollo, Venus și Marte. Evenimentele zilei au culminat în Galeria Oglinzilor, unde au avut loc ceremonii de prezentare a unor persoane nobile la rege, puse în scenă ca un spectacol de teatru magnific în care regele însuși a cântat la prima vioară.

Caracteristici ale decorului interior al orașului Versailles: a predominat tema soarelui-Apollo, ca o amintire a exclusivității lui Ludovic al XIV-lea. Tapiserii uriașe de lungime de perete - verdețuri (din francezul Verdure - verdeață) înfățișând peisaje și scene de vânătoare au duplicat viața curții regale. Abajururile pitorești care povesteau despre faptele și aventurile zeilor sugerau timpul liber al conducătorului atotputernic. Oglinzile mari, care reflectau ansamblul parcului, evocau iluzia spațiului nesfârșit în care domnește „regele soare”. Sculptură asemănătoare cu antice, bronz, pardoseli și pereți din marmură multicoloră, mobilier prețios încrustat cu carapace și sidef - tot acest lux a îndepărtat pe cât posibil mediul de viață de proza vieții.

Secolul XVII pentru cultura mondială 1. Una dintre cele mai semnificative perioade din istoria culturii. 2. În urma Renașterii și înaintea Iluminismului, el a moștenit multe din primul și a anticipat descoperirile celui de-al doilea. Caracteristica principală a epocii este dezvoltarea simultană a două sisteme de stil de conducere - baroc și clasicism, în prezența unui concept artistic semnificativ al secolului - realismul.

Semnificația culturii secolului al XVII-lea: Pentru prima dată, arta a depășit granițele unui stil mare și consacrat în arhitectură, așa cum a fost în vremurile anterioare. Barocul a creat artă plină de mișcare, energie și pasiune. Era stăpânit de impulsuri către infinit, transcendental, afectat. Clasicismul secolului al XVII-lea a pus în contrast dinamica spontană a barocului cu idealul de echilibru, regularitate și raționalism.

Semnificația culturii secolului al XVII-lea (2): Realismul secolului al XVII-lea, care a apărut ca reacție la complexitatea și abstractizarea artei degenerate a manierismului târziu, a creat imagini în care lumea interioară a unei persoane și emoționalul mediul care îl înconjura au fost măsurate nu atât pe scara vieții de zi cu zi cât a eternității. În secolul al XVII-lea culturile naționale europene, păstrând în același timp specificul local, au atins un nivel atât de înalt de comunitate încât a devenit posibil să se vorbească despre formarea unei singure culturi artistice mondiale a secolului.

Întrebări și sarcini 1. Ce trăsături indică „viața de grădină” a clasicismului francez? Pentru a răspunde, folosiți ilustrațiile din sarcina nr. 17 din registrul de lucru. 2. Completați sarcina nr. 18 din registrul de lucru. 3. Finalizați sarcina finală pentru secțiunea „Cultura artistică a secolului al XVII-lea” din caietul de lucru. 4. Activitati ale proiectului. Găsiți caracteristici ale esteticii barocului în realitatea înconjurătoare. Cum se manifestă în arhitectură, decor, spectacole de teatru, îmbrăcăminte, accesorii, tipuri umane? Identificați diferențele în arhitectura grădinii și a parcului din baroc și clasicism în orașul dvs., centrul regional, moșiile suburbane din Sankt Petersburg și Europa de Vest.